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Past Exhibitions

西太志：Taishi NIshi

“ 遠くで降る雨： Rain Falling in the Distance ”

2025, 6. 14 ( Sat. ) ー 7. 12 ( Sat. )

西太志は、1983年大阪生まれ。2006年大阪芸術大学卒業から数年を経たのち、2015年京都市立芸術大学大学院絵画専攻を修了しています。

私どもが西太志の作品に注目したのは、彼の作品の中に紡がれる少年の物語、そこに映画などの一場面を切り取ったかのような動的な瞬間という感覚を強く認識できたからです。その事に加え2017年の京都市立芸術大学ギャラリー@KCUAのグループ展において、西はゴヤの黒い絵画に注目し、大作により物語を組み立てようとしました。少年の内面を表現した大作10点によるその展示は、西にとりその後の作品の変換点ともなったような気がします。大きな特徴は、キャラクター達が生まれ、彼らが物語の主役となっていった事でしょう。コミカルでどこか寂しげな、西が言うところの「怪物」達は、善悪併せ持つわんぱくで可愛い存在のようです。そのことは今回の個展、「遠くで降る雨」でも引き続き展開されてゆくようです。新作「なんて柔らかな抱擁」では、マスクを付けた少年がヘビと共に草むらに寝そべっています。少年は目を閉じ考え事でもしているのでしょうか。その顔を覗き込んでいるヘビ。ご存じのように蛇は古今東西様々な隠喩・象徴として用いられてきました。この「なんて柔らかな抱擁」もまた、その様な意味を表している事でしょう。それが何なのか、西の絵画の意味する事に想いを巡らす事ができます。漫画やアニメで育った世代の西ならではの図像から、彼が今という時代に何を感じ、見据え、表現するのかご期待いただければと思っています。そしてそこにはスペインの画家ゴヤのような、リアリストの一面も含まれているに違いありません。遠くで降る雨の、気配や匂いは間も無くやってきます。その雨音がメロディーを奏でる様に、西もまた新たな物語を見せてくれる事でしょう。よろしくお願い致します。

Taishi Nishi was born in Osaka, Japan in 1983 and completed his graduate studies in painting at Kyoto City University of Arts in 2015, a few years after graduating from Osaka University of Arts in 2006.

We were attracted to Nishi's work because we strongly recognized the story of a boy in his work, and the sense of dynamic moments that seem to be clipped from a scene in a movie or other media. In addition to this, in the 2017 Kyoto City University of Arts Gallery @ KCUA group exhibition, Nishi focused on Goya's black paintings and attempted to construct a narrative through large works. The exhibition of 10 large works expressing the inner life of a young boy seemed to be a turning point for Nishi in his later works. One of the most significant changes in Nishi's work was the creation of anime-like characters, who became the main characters of the story. Comical and somewhat lonely, these “monsters,” as Nishi calls them, seem to be cute and naughty, good and evil at the same time. This seems to continue in his solo exhibition, “Rain Falling in the Distance”. In the new work “What a Soft Embrace,” a boy wearing a mask lies in the grass with a snake. Is the boy closing his eyes and thinking? The snake peering into his face. As you know, snakes have been used as a metaphor and symbol in various ways in all ages and cultures. This “What a Soft Embrace” must also represent such a meaning. We can ponder what it is and what his paintings mean. We hope that you will look forward to seeing what he will feel, see, and express in the current era through the unique iconography of Nishi, a generation raised on manga and anime. His works must also contain an aspect of realism, like that of the Spanish painter Goya. The sign and smell of rain falling in the distance will soon arrive. Please look forward to the Nishi’s new paintings.

荒川朋子：Tomoko Arakawa

“ 光の景： Light Scape ”

2025, 4. 5 ( Sat. ) ー 26 ( Sat. )

昨年に続き当画廊で2回目の荒川朋子の新作個展となります。前回の “ あなたが風に立つのなら ” では、荒川は作品の大型化に取り組みました。と言うのも、それまでの荒川は長辺が40cmまでの絵画を主に描いていました。些細なことの様に思えますが、荒川にとって大きな作品は未知の領域への挑戦だったのです。

構図やモチーフに悩みながらも、納得のいく大型の作品を皆様にご覧いただく事ができたのが前回の “ あなたが風に立つのなら ” という個展だったのです。その経験を通して荒川は、新たな目標を「風」から「光」の表現へと切り替えました。荒川が送ってきてくれたコメントには、ごく普通で当たり前のことが綴られています。そこから導き出される荒川の絵画には、歴史的・社会的とも言える大きな物語は存在していません。また日々進化しているデジタル社会の残像も、彼女の絵画には無縁の様に見えます。ただ言えることは、荒川が絵に託したい現実というものが、日々の生活における時の経過と、肌に触れる風と、目に映える光あやなす景色であるということなのです。この様な時代であるからこそ、その「リアル」に意識を集中させ、訥々と語り描くこと、それが荒川が選んだ表現するということなのでしょう。

青と緑をベースとした今回の作品には、そよ吹く風と淡い光がご覧いただけるかと思います。ささやかな日常ではありますが、今はそれが尊く、とても大きな物語であるのだと荒川の絵が教えてくれている様な気がしています。荒川の作品たちの中に、微笑みと、細やかな視線、感情の揺れを感じて頂ければ幸いに存じます。よろしくお願い申し上げます。

This will be Tomoko Arakawa's second solo exhibition of new works at the gallery, following last year. In her previous show, “ If you stand facing the wind,” Arakawa worked on larger works.

Because Arakawa up to that point had mainly painted paintings up to 40 cm on the longest side.

It may seem like a trivial matter, but for Arakawa, large works were a challenge into uncharted territory. Although Arakawa was struggling with composition and motifs, she and we were able to show large works that we were satisfied with at the last solo exhibition titled “ If you stand in the wind.” Through this experience, Arakawa switched his new goal from “wind” to “light” expression. The comments that Arakawa sent us spell out the most ordinary and natural things. There is no major historical or social narrative in Arakawa's paintings, which are derived from them. The afterimages of our ever-evolving digital society also seem to have no place in her paintings. What can be said, however, is that the reality that Arakawa wants to entrust to her paintings is the passage of time in our daily lives, the wind on our skin, and the light reflected in our eyes. It is precisely because we live in such an era that Arakawa has chosen to express herself by concentrating her attention on the “real” and painting in a simple, straightforward manner. In the blue and green based works in this exhibition, you can see a gentle breeze and pale light. Although it is a small daily life, I feel as if Arakawa's paintings are telling us that it is precious and a very big story. We hope you will feel the smile, the fine gaze, and the emotional swings in Arakawa's works.

ロバート・プラット：Robert Platt

“ 揺らぐ領域：Flickering Realms ”

2025, 3. 4 ( Tue. ) ー 22 ( Sat. )

“ Flickering Realms：揺らぐ領域 ”　　Robert Platt

この展示は、ドゥルーズとガタリの「揺らぐ知覚」の概念を取り入れ、図と背景の流動的で動的な関係を探求します。混沌とした葉とバロック的過剰が融合した作品は、前景と背景の伝統的な境界を挑戦し、形が絶えず現れ、後退していく様子を描き出します。揺れ動く視覚体験を通して、アイデンティティや知覚の不安定さを反映し、観客の視線は織り交ぜられた複数の要素の間を行き来しながら、周囲の世界の複雑さと変容を受け入れることを促します。

This exhibition explores the fluid and dynamic relationship between figure and ground, drawing on Deleuze and Guattari’s concept of flickering perception. The works, blending chaotic foliage with Baroque excess, challenge traditional boundaries between foreground and background, where forms constantly emerge and recede. By inviting a shifting experience of vision, the exhibition reflects the instability of identity and perception, where the viewer’s eye moves between multiple, interwoven elements, embracing the complexity and transformation of the world around us.

ロバート・プラットはは1974年ロンドン生まれ。2001年ロイヤル・カレッジ・オブ・アート卒業。2009年京都市立芸術大学大学院博士課程を修了しています。その後21年までミシガン大学美術学部の准教授として勤務したのち、現在は九州産業大学芸術メデイア学部の教授として、福岡にて制作しています。

当画廊として初個展となる今回、ロバート・プラットは一つのコメント寄せてくれました。それは京都にいた頃から変わらない彼の重要な視点であると、再確認できるものでした。京都にいた頃、ロバートは洋の東西を問わず、様々なイメージをコンバインするかのようなペインてイングを描いていました。日本の古い絵画からえたモチーフまでを加えた絵画は、カラフルでポップでありながら、どこか文化人類学的な考察を踏まえたかのようなコンセプチュアルな面も持ち合わせている、そんな絵画であったと記憶しています。今回彼から送られてきた作品画像を見ると、前回の京都MtKギャラリーでのグループ展に連なる作品を中心に構成されるようです。非常に複雑に構成された作品は、様々なイメージが画面を埋め尽くしています。装飾的な植物模様は、モノクロームであったり彩色が施されていたり、またそのことでイメージは画面前面に出てきたり後退したりして見えます。同じことは格子状の形態や、画面をうねるグラフィカルなライン状の描写でさらに複雑さを増幅させていきます。私たちの視点は画面を彷徨いますが、その段階で精緻に描き込まれたテクニック、画面の情報量にも感心させられます。そして最後、その画面に潜む何かの存在が、有るか無きかの物語へと誘ってくれるのではないでしょうか。加えて今回、「Flickering Echoes」という作品に注目しています。モノクロームに近い図像はコンバインされ、衣の襞のような、またどこか肉体的な質感を喚起させます。白い絵の具の部分は画像の欠落を感じさせ、画面に時の経過をも加味している様に感知させます。この作品にはイメージの複層性と時の経過が表現されてるのではないでしょうか。個展では、立体の小品も１点展示します。ロバートは、イメージに対する考察と画面構成に真摯に向き合い、絵画、いや作品により視覚から私たちの認識を揺さぶろうとしています。そんな冒険にお付き合いください。よろしくお願い致します。

Robert Platt was born in London in 1974, graduated from the Royal College of Art in 2001, and completed his doctorate at Kyoto City University of Arts in 2009. He worked as an associate professor in the Department of Art at the University of Michigan until 2009, and is currently a professor in the Department of Art and Media Studies at Kyushu Sangyo University, where he lives and works in Fukuoka, Japan.

For his first solo exhibition at our gallery, Robert Platt made one comment. It reaffirms an important point of view that has remained unchanged since his days in Kyoto. During his time in Kyoto, Robert Platt created paintings that seemed to combine a variety of images from both the East and the West.　These paintings are colorful and pop, but also have a conceptual aspect, as if they were based on cultural anthropological considerations. Looking at the images of the works he sent us this time, it seems that the exhibition will consist mainly of the same series of works that he exhibited in the previous group exhibition at MtK Gallery in Kyoto.　The highly complex compositions are filled with a variety of images. Decorative botanical patterns can be monochromatic or colored, and the images can be seen to rise to the foreground or recede. In addition, the lattice-like forms and graphical strips undulating across the screen further amplify the layers of complexity on the painting's surface. Our point of view wanders around the screen, and we are impressed by the technique and the amount of information on the screen that is elaborately depicted at that stage. And finally, something lurking on that screen may invite us to a mysterious story. In addition, we are interested in the work “Flickering Echoes” this time. The nearly monochrome images are combined to evoke a physical texture, somewhat like the folds of a garment. The white areas of paint give us a sense of the loss of the screen and the passage of time. I think this work expresses the multi-layered nature of the image and the passage of time. The solo exhibition will also include one small three-dimensional work. Robert's paintings, or rather his works, are intended to shake up our perception of the visual through his sincere consideration of the image and the composition of the screen. Please join us on such a visual adventure.

Group Show

“ 色彩とモノクローム： Colors and Monochromes ”

2025, 2. 1 ( Sat. ) ー 22 ( Sat. )

「色彩とモノクローム：Colors and Monochromes」展では、保坂毅のカラフルな作品と、矢部奈桜子と勢籐明紗子のドローイング作品を展示しています。保坂の作品では日本的な色彩の取り合わせの妙をご堪能して頂けると思います。またモノクローム作品としてのドローイングでは、異なるテクニックの細密な描写の妙をご堪能して頂けることでしょう。

The “Colors and Monochromes” exhibition features the colorful works of Takeshi Hosaka and drawings by Naoko Yabe and Asako Setoh. Hosaka's works showcase a unique combination of colors in a Japanese style. In the monochrome drawings, visitors will be able to appreciate the finely detailed depiction of different techniques.

矢部奈桜子：Naoko Yabe

“ Prospect ”

2024, Oct. 5 ( Sat. ) ー Nov. 26 ( Sat. )

GALLERY ZEROでは、2024年10月5日土曜日より26日土曜日までの3週間の日程で、矢部奈桜子の個展 “ Prospect ” を開催致します。当画廊としましては16年ぶりの新作個展となります。

矢部奈桜子は1978年大阪生まれ。2001年京都造形芸術大学(現京都芸術大学)洋画コース卒業。

2003年京都市立芸術大学大学院美術研究科修士課程を修了。その後2008年の当画廊での個展の後に結婚、渡米、出産、子育てと長らく制作の場から離れておりました。2019年に矢部の個展を計画致しましたが、今度はコロナ禍で延期となり、今年ようやく新作個展を開催できる運びとなりました。

矢部奈桜子から新作画像が届いた時、かつてと変わらぬ微細な図柄に心ワクワクした次第です。本人は暫く制作から離れていた故に悪戦苦闘していた様なのですが、画面全体に満ちる緻密な描写と繊細な彩色には、画像ではあれ16年という時が過ぎたことを感じさせない充実感が見て取れます。矢部の絵画のモチーフは、当初は壁面や流水の表面のごく一部でしたが、やがて木の、樹皮の表面の非常に小さな部分を彼女なりに拡大して描くようになりました。それが新作では苔類へと変化したのかもしれませんが、昔の作品同様に曲線を多用した複雑な形態の集積したものとなっています。画面の隅々までピントの合った緻密な画面は、スーパーリアリズムと言っても過言では無いのですが、その手の絵画によくあるおどろおどろしさは無く、極めてクールな表面をしています。私たちの目は矢部の絵画の表面を、その細部を凝視しながら視線を移動させ、描かれた形態と色彩の魅力を味わうことができます。私たちが彼女の絵画から得る視覚の情報量は多く、それはビックデータを解析する作業に似ているのではないでしょうか。矢部が注ぐ視線の先には、植物や物質に対する観察と凝視があり、そのことから得られた情報を矢部はキャンバスに彼女なりの調整を加えて再構成していくのだと思います。その図像は実像をこえ、雄大な風景画の如き様相を見せています。矢部の絵画とは、スーパーリアリズム ( 凝視 ) と象徴主義 ( 風景・俯瞰 ) が共生するものなのでしょう。観る事は想像すること、矢部の絵画が教えてくれるのはそんなシンプルな事なのかもしれません。

“ prospect ” の意味としては、眺め・眺望とともに期待・見通しという意味もございます。また動詞になれば試掘する、見込みがあるという意味にもなります。この度の個展に寄せる矢部の意気込みが皆様にご理解いただけると思います。今回の新作展 “ Prospect ” では、絵画のみならずドローイングや新たな試みのホールドローイングをご覧いただきます。矢部奈桜子の再出発に相応しい内容と言えるでしょう。ぜひご期待ください。よろしくお願い致します。

GALLERY ZERO is pleased to announce "Prospect," a solo exhibition by Naoko Yabe from Saturday, October 5 to Saturday, October 26, 2024. This will be the first solo exhibition of new works by the gallery in 16 years at our gallery.

Naoko Yabe was born in 1978 in Osaka, Japan, and graduated from Kyoto University of Art and Design (now Kyoto University of Art) in 2001 with a degree in Western painting.

In 2003, she received her MFA from Kyoto City University of Arts. After her solo exhibition at our gallery in 2008, she got married, moved to the U.S., had a baby, and raised her children, and has been away from art for a long time.

When we received the new images from Naoko Yabe, we were thrilled to see the same fine patterns as in the past. Although she had been away from painting for a while and struggled with her art, the detailed depiction and delicate colors that fill the entire image show a sense of fulfillment that makes one feel as if no time has passed in the past 16 years. Yabe's motifs in her paintings started out as small portions of the surface of walls and running water, but she eventually began to enlarge very small portions of the surface of trees and bark in her own way. In her new works, the motif may have changed to mosses, but like her older works, it is an accumulation of intricate forms with many curves. The detailed and precise images, in which every inch of the painting is in focus, could be described as super-realism, but they have an extremely cool surface without the frightening atmosphere often associated with that type of painting. Our eyes move across the surface of Yabe's paintings, staring at the details and savoring the fascination of the forms and colors depicted. The amount of visual information we get from her paintings is so much that it may resemble the process of analyzing big data. Yabe's gaze is focused on the plants and materials she observes and gazes at, and the information she gains from these observations is reconstructed on the canvas with her own adjustments. The resulting image is more than a real image; it is a magnificent landscape painting. Yabe's paintings may be a symbiosis of super-realism (staring) and symbolism (landscape, bird's-eye view). To see is to imagine, and Yabe's paintings may teach us such a simple lesson.

This exhibition of new works, “Prospect,” will be a fitting fresh start for Naoko Yabe. Please look forward to it. We look forward to your visit.

矢部奈桜子 1978 年出生于大阪，2001 年毕业于京都艺术设计大学（现京都艺术大学）西洋画专业。2003 年，她完成了京都市立艺术大学的美术硕士学位。 2008 年在画廊举办个展后，她结婚并移居美国，生儿育女，长期远离艺术界。

当我们收到矢部奈桜子的新作品时，看到和以前一样精致的细节，我们非常激动。她曾一度远离绘画，并为此苦苦挣扎，但细腻的刻画和充满整个画面的精致色彩，让人感受到一种充实感，即使在画面中，也无法感受到 16 年已经过去。矢部的画最初只描绘墙壁或流水表面的一小部分，但她很快开始用自己的方式放大树木和树皮表面的极小部分。在她的新作中，她可能转向了苔藓，但与她的旧作一样，这些苔藓也是由许多曲线组成的复杂形态的堆积。在这些细致入微的画作中，画面的每一寸都是焦点，可以说是超级写实主义，但它们的表面极为冷峻，没有这类画作常有的令人恐惧的气质。我们的视线可以在矢部的画作表面移动，凝视其细节，细细品味所描绘的形态和色彩的魅力。

我们从她的画作中获得了大量的视觉信息，这可能与分析大数据的过程类似。矢部的视线集中在她所观察和凝视的植物和材料上，并通过自己的调整将从中获得的信息重新构建在画布上。这些图像不仅仅是真实的，更像是壮丽的风景。矢部的绘画可能是超写实主义（凝视）和象征主义（风景、鸟瞰）的共生。观看就是想象，矢部的绘画或许就是这样一堂简单的课。

这次的新作展 “Prospect ”是矢部奈桜子的一个恰当的新起点。敬请期待。我们期待与您相见。

矢部奈桜子於 1978 年出生於大阪，2001 年畢業於京都造型藝術大學 (現京都藝術大學) 的西洋繪畫科系。2003 年，她完成了京都市立藝術大學的美術碩士學位。 2008 年在畫廊舉辦個展之後，她結婚移居美國，生兒育女，離開藝術圈很長一段時間。

當我們收到來自矢部奈桜子的新圖片時，看到和以前一樣的精細畫面，我們都很興奮。她曾經有一段時間離開繪畫，並在繪畫中掙扎，但充滿整個畫面的細膩描繪與精緻色彩，讓人看到一種充實感，即使是在畫面中，也無法感受到 16 年已經過去。矢部的繪畫最初只描繪牆壁或流水表面的一小部分，但她很快就開始以自己的方式放大樹木和樹皮表面非常小的區域。在她的新作品中，她可能轉而描繪苔蘚，但就像她的舊作品一樣，這些苔蘚是由許多曲線的複雜形態累積而成。這些細膩的細部繪畫，畫面的每一寸都是焦點，可以說是超寫實主義，但它們的表面卻極為冷峻，沒有那種繪畫常有的可怕特質。我們的眼睛可以在矢部畫作的表面移動，凝視畫面的細節，品味所描繪的形體和色彩的魅力。

從她的繪畫中，我們可以獲得很多視覺資訊，這大概與分析大數據的過程類似。矢部的目光集中在她所觀察和凝視的植物和材料上，她從中獲得的資訊經過自己的調整，在畫布上重新構建。這些圖像不僅僅是真實的，更像是壯麗的風景。矢部的繪畫可能是超寫實主義（凝視）與象徵主義（風景、鳥瞰）的共生。看見就是想像，矢部的繪畫也許會教導我們如此簡單的一課。

這次的新作展「Prospect」對矢部奈桜子來說是個恰如其分的新開始。敬請期待。我們期待您的光臨。

야베 나사쿠코는 1978년 오사카에서 태어났다. 2001년 교토조형예술대학(현 교토예술대학) 서양화과 졸업, 2003년 교토시립예술대학 대학원 미술연구과 석사과정 수료. 그 후 2008년 본 화랑에서 개인전을 개최한 후 결혼, 미국으로 건너가 출산, 육아를 하며 오랫동안 작품 활동을 쉬고 있었습니다.2019년에 야베의 개인전을 계획하였으나, 코로나 사태로 연기되어 올해 드디어 신작 개인전을 개최할 수 있게 되었습니다.

야베 나오코의 신작 그림이 도착했을 때, 예나 지금이나 변함없는 섬세한 그림에 가슴이 설렜습니다.본인은 한동안 제작을 쉬고 있었기 때문에 고군분투한 것 같지만, 화면 전체에 가득 찬 치밀한 묘사와 섬세한 채색은 16년이라는 시간이 흘렀다는 것을 느끼지 못할 정도로 충실함을 느낄 수 있습니다. 나무의 껍질 표면의 아주 작은 부분을 그녀만의 방식으로 확대하여 그리게 되었습니다. 그것이 신작에서는 이끼류로 변화한 것일 수도 있지만, 예전 작품과 마찬가지로 곡선을 많이 사용한 복잡한 형태의 집적물이다.

화면 구석구석까지 초점이 맞춰진 촘촘한 화면은 초현실주의라고 해도 과언이 아니지만, 이 장르의 그림에서 흔히 볼 수 있는 섬뜩함은 없고, 매우 시원한 표면을 가지고 있습니다. 우리의 눈은 야베의 그림 표면을 따라 그 디테일을 응시하며 시선을 이동하고, 그려진 형태와 색채의 매력을 맛볼 수 있다. 우리가 그녀의 그림에서 얻는 시각적 정보량은 많은데, 그것은 마치 빅데이터를 분석하는 작업과 비슷하지 않을까.

야베의 시선이 닿는 곳에는 식물과 물질에 대한 관찰과 응시가 있고, 거기서 얻은 정보를 야베 는 캔버스에 그녀만의 조정을 가하여 재구성해 나갑니다. 그 도상은 실상을 넘어 웅장한 풍경화와 같은 양상을 보이고 있는데, 야베의 그림은슈퍼 리얼리즘(응시)와 상징주의(풍경, 내려다 봄)가 공생하는 것이 아닐까 합니다.

보는 것은 상상하는 것, 야베의 그림이 알려주는 것은 그런 단순한 것일지도 모릅니다.

이번 신작전 “ Prospect ” 는 야베 나오코의 재출발에 걸맞는 전시라고 할 수 있습니다. 꼭 기대해 주시기 바랍니다. 많은 관심 부탁드립니다.

保坂毅：Hosaka Takeshi

” ケのbiの図：Art in the Mundane：Being in Everyday ”

2024, 6. 8 ( Sat. ) ー 29 ( Sat. )

「保坂毅よりのコメント」

生活に追われ日常から美術的なモノ・コトが剥落していく中で、まだ自然の側に近いわが子が切り抜いた折紙に足を止める。

”ある”という感覚はbe動詞のない日本語話者の自分にとって乏しいけれど、モチーフの欠片は日々のそこここに既に“ある”。

一方時を同じくして世界では戦争や原発事故などの出来事が進行しており、収束の兆しも見えない。福島出身の自分にとって原発事故の行く末は関心事のひとつであるが、核燃料の残骸は地中深くの暗闇の中で一体どうなっているのだろうかと、ぼんやりと考えながら日々が過ぎる。

保坂毅はオブジェのような立体的な支持体に、ストライプ・チェックあるいは単一の色面などを描いた作品を発表してきました。観る者の視点の移動により３次元や２次元に見えたりするオブジェ的絵画は、空間と観客の視点に関する実験と言えるものでした。

今回の個展「ケのbiの図」で、保坂は今までの試みを１枚の「絵画」という２次元に還元・統合しようとしています。それは昨年彼が観た「マチス展」や「ホックニー展」から大きな影響を受けてのことです。一見平面性の強いマチスの絵画もよく見ると、複層の空間や形態が色彩と複雑に絡み合った構造をしています。またホックニーの肖像画には現実空間の延長としての場がキャンバス上に淡い光と共に展開されているのです。では保坂の絵画では。「the debris garden」の遠近法的に施されたシルバーのラインは、１枚の絵画に仮想空間を生み出し、カラフルな色面は絵画的情緒を排する為に均一に彩色され、そのアウトラインにのみ空間との関係性を示しながら構成されています。シンプルでカラフルな絵ですが、よく見れば複層した空間と、それに付随した色面の方向・位置の存在感が複雑に絡み合って存在していることがご理解いただけると思います。また「debris」の小品シリーズは、キャンバス作品の中の色面の一部分だけを取り出し、木に彩色した作品です。展示する壁をキャンバスに見立て、それぞれの作品が上下左右のどの方向でも自由に展示・構成できます。福島出身の保坂は、作品タイトルに「デブリ」と銘打つ事で、ある歴史的な事件もこれらの作品の中に込めています。蓄光顔料を用いた今回の作品達は、暗闇で少し、ほんの少し光るのです。かつて軍用腕時計の文字盤には夜光塗料としてラジウムという放射性物質が使用されていました。そしてその作業には、危険性を知らされることも無いまま、多くの女性工場労働者が従事させられていたのです。

今回の作品達には、彼の現時点での様々なコンセプトと今後の展開が込められています。

保坂毅の初めてのキャンバス作品のお披露目となる今回の展示、是非とも宜しくお願い致します。

“ Comments from Hosaka Takeshi ”

In the rush of daily life, as the presence of art and creative practice fade from the routine, I pause to admire an origami cut by my child, who remains closely connected to nature. The concept of “being” feels somewhat elusive to me as I speak Japanese, which lacks a direct equivalent of the “be-verb.” Yet fragments of motifs already “exist" here and there in everyday life.

Meanwhile, as the world concurrently witnesses wars and nuclear accidents with no end in sight, the future of the nuclear disaster is of particular concern to me, hailing from Fukushima. I often find myself idly wondering about the fate of nuclear fuel debris buried deep in the darkness underground as days go by.

Takeshi Hosaka has been showing paintings of stripes, checks, and single-colored surfaces on three-dimensional supports that resemble objects. These object-like paintings, which can appear three-dimensional or two-dimensional depending on the viewer's shifting perspective, are experiments in space and the viewer's point of view.

In this solo exhibition, “ Art in the Mundane : Being in Everyday " Hosaka attempts to reduce and integrate his past attempts into a single “ painting," a two-dimensional work. This is due to the great influence of the “ Matisse " and “ Hockney " exhibitions he saw last year. Matisse's paintings, which at first glance appear to be flat, upon closer inspection reveal a structure of multi-layered spaces and forms intricately intertwined with color. In Hockney's portraits, a place that is an extension of the real space is developed on the canvas with pale light. Now, let's take a look at Hosaka's paintings. The silver lines in the perspective of “ the debris garden " create a virtual space in the painting, and the colorful surfaces are uniformly colored to avoid painterly sentimentality, showing their relationship to the space only in their outlines. The painting is simple and colorful, but if you look closely, you will understand that the multi-layered space and the presence of the direction and position of the color surfaces associated with it exist in a complex intertwined manner. In the “ debris " series of small works, only a portion of the colored surface of a canvas work is taken out and painted on wood. The wall on which the works are displayed can be used as a canvas, and each work can be freely displayed and composed in any direction, up, down, left, or right. Hosaka, a native of Fukushima, has also incorporated a certain historical incident into these works by naming them “ debris " in the title. The works in this exhibition are made of phosphorescent pigment, which glows slightly in the dark. In the past, a radioactive substance called radium was used as luminous paint on the dials of military watches. Many female factory workers were forced to engage in this work without being informed of the dangers.

The works in this exhibition represent his various concepts and future developments at this point in time.

We look forward to seeing you at this exhibition, which will be the debut of Takeshi Hosaka's first canvas works.

荒川朋子：Tomoko Arakawa

” あなたが風に立つのなら：If you stand facing the wind ”

2024, 2. 24 ( Sat. ) ー 3. 16 ( Sat. )

「荒川朋子よりのコメント」

私は日常生活の中で見ているもの、多くの画像や動画で映し出される風景、車を走らせながら交互に見るナビ画面と実の風景など拠り所にして絵を作ります。誰もが目にして記憶されないほど、日常の風景です。その土地の風土を知らない場所も描きます。

山水を繊細な墨の筆意で描いた画をよく見ていました。山の自然木を描いた跡と出来上がった形に惹かれています。

油彩画の風景も見ます。堅牢な構造物と人々の生活と光が描かれています。どうしたら光を描けるか試みています。

それが全てです。

地方の片隅に住み、小さな画面小さな庭から見えたものを絵の具で描いています。

荒川朋子は1975年三重県生まれ。1998年愛知県立芸術大学美術学部油画専攻卒業。2009年名古屋造形大学大学院修士を修了後、三重県を拠点に絵画を制作しています。当画廊で初となる荒川朋子の個展のタイトルは、“ あなたが風に立つのなら ” と少し違和感のある日本語になっています。荒川は特定の場所を描いているわけではありません。日々目にする何気ない風景から、心に残った印象をアウトプットしている様です。それはまた、切り離すことの出来ない現実社会ともないまぜになっていることも、確かなのです。展覧会タイトルの「風に立つのなら」という文言に違和感としてのこだわりが表現されています。風に向かって歩む人、ただじっと佇む人、後退りする人、そして風に背を押されて歩む人、強き風やそよ吹く風など風もまた様々ですし、また「なぐ」ことも風の要素と考えることも出来るかもしれません。グリーンベースの荒川のナチュラルな画面からは、穏やかで艶やかな光と、様々な風の動きと匂いを感じ取ることができます。目まぐるしく情報が交錯し、また想像もできない様なことが起こるこの世界を体感しながらも、荒川はそれらの事を心情に落とし込み、荒川の景色としてキャンバスに描いてゆきます。彼女が描いた風と光が、観る方々の心に触れる事で導き出される新たな記憶となる事を夢見て。そして誰もが戻って来れる器のような。抽象的な荒川の風景画は、例えば長谷川等伯の様な浅くて深い、そんな豊かな空間表現を目指しているのかもしれません。ぜひご覧になって下さい。よろしくお願い致します。

Comments from Arakawa Tomoko

I create my paintings based on what I see in my daily life, the scenery shown images and videos, and the real scenery and the navigation screen that I see alternately while driving my car. The more everyone sees and does not remember, the more it is an everyday landscape. I also paints places where the local climate is unknown.

I often looked at the Chinese or Japanese landscape paintings with delicate ink brushstrokes. I am attracted to the image and figure of natural trees and the mountains.

I also looked at the landscapes in oil paintings. They depict robust structures, people’s lives and light. I am trying to figure out how to paint light. Those are what are all about my paintings.

I live in a rural corner of the country and paint what I see from my the small screens and views of daily life.

Tomoko Arakawa was born in Mie Prefecture in 1975, graduated from Aichi Prefectural University of Fine Arts and Music in 1998, majored in oil painting, and received her MFA from Nagoya Zokei University in 2009, she has been creating her paintings based in Mie Prefecture. The title of Tomoko Arakawa's solo exhibition, her first show at our gallery, is “ If you stand facing the wind ”. Arakawa does not paint specific places. She seems to output the impressions that remain in her mind from the casual scenery she sees every day. It is also certain that it is mixed with the real world, which cannot be separated from it. The title of the exhibition,“ If you stand facing the wind ," expresses the artist's commitment to the idea of discomfort. There are many types of wind, such as those who walk toward the wind, people who stand still, people who retreat, people who are pushed back by the wind, strong winds, gentle winds, and so on. In Arakawa's natural green-based paintings, one can sense the gentle, lustrous light and the movement and smell of various winds. While experiencing this world of fast-paced information and unimaginable things happening, Arakawa puts these things into his feelings and paints them on canvas as Arakawa's landscapes. She dreams that the wind and light she paints will touch the viewers' hearts and become new memories. She also hopes that her paintings will be a space where everyone can come back to in peace and tranquility. The abstract Arakawa's landscape paintings may be aiming for such a rich spatial expression, shallow and deep, like Hasegawa Tohaku, for example. Please take a look. We look forward to seeing you soon.

坂井淑恵：Yoshie Sakai

” float ”

2023, 112. 2 ( Sat. ) ー 23 ( Sat. )

GALLERY ZEROでは、2023年12月2日土曜日より23日土曜日までの3週間の日程で、坂井淑恵の個展 “ float ” を開催致します。

坂井淑恵の画家としてのキャリアは1990年代半ばに始まりました。1980年代初頭に世界同時的に発生したアートムーブメント、ニュー・ペインティング（新表現主義）の影響がようやく日本にも及んできた頃に当たります。坂井淑恵は村上隆や奈良美智の次の世代、京都市立芸術大学から時代を担う画家たちが、自由な発想とスタイルでインパクトを持って迎えられた時代に当たります。ことに坂井淑恵は、その表現主義的な力強い描き方、シンプルな画面構成と鮮やかな色彩による身体的でコミカルな図像で大いに注目を集めたのです。それから20年以上の歳月が過ぎましたが、坂井はそのクリエイションの質を維持し続けながら今日に至っています。

今回の展覧会「float」では、坂井の絵画では主要モチーフである水にまつわる物語が展開されます。坂井の絵画における「水」は、私たちを取り巻く社会の状況を象徴するものであったり、または人々が持つている様々な感情の例えのような表現であったりします。例えば「nap」、昼寝とでも訳せるこの作品においては、分かりにくいですが仰向けになった人物が足先だけを出して水中で？眠っている様です。緑色から青色までの美しいグラデーションの中に描かれるこの人物は、ぬるま湯の中で安心して夢を貪っているのでしょうか。はたまた社会の状況に飲み込まれて、息も出来ない状況に追い込まれて意識を閉ざしてしまったのでしょうか。「bobber」に描かれた黄色のおさげ髪の少女は、「釣りの浮き」の如くに、手をバタつかせながら何かを知らせよう、伝えようとしているのでしょうか。それともアーティスティックスイミングのように優雅に水面を泳ぎながら、これからの人生を十分泳ぎ切れると宣言しているのかもしれません。とてもシンプルな表現の仕方ですが、坂井は90年台からこの直接的で表現主義的な描き方で、人と社会のあれこれを色彩豊かにコミカルに描き続けてきたのです。坂井の絵画を観る時、私たちはこの混迷の時代において何に想像力を向けるべきなのかを意識する事ができるように思うのです。

この度の坂井淑恵の個展「float」では、人の豊かで複雑な心と、さらにその人が集積した人々が織りなす社会というさらに手の込んだ世界を、コミカルにシンプルに編集した絵画を展示いたします。面白うてやがてかなしではないですが、色彩豊かな坂井の絵画をご覧いただいた後は、人や社会のあれこれについて想いを巡らせて頂ければ幸いでございます。坂井淑恵の個展「float」をよろしくお願い申し上げます。

Gallery Zero is pleased to present an exhibition by Yoshie SAKAI, “ float ” from Saturday, December 2nd — Saturday, 23.

Yoshie Sakai's career as a painter began in the mid-1990s. This was around the time when the influence of the New Painting (New Expressionism), an art movement that emerged simultaneously around the world in the early 1980s, was finally reaching Japan. Yoshie Sakai falls in the generation following Takashi Murakami and Yoshitomo Nara, the painters of the era from Kyoto City University of Arts, whose free ideas and style were welcomed with great impact. In particular, Yoshie Sakai attracted a great deal of attention for her strong expressionistic drawing style, simple composition, and vivid colors that create a physical and comical image. More than 20 years have passed since then, and Sakai continues to maintain the quality of its creations to this day.

In this exhibition, "float," Sakai's paintings express a story related to water, which is a major motif in her paintings. In Sakai's paintings, "water" can be a symbol of the social conditions that surround us, or it can be a metaphor for the various emotions that people have. For example, in "nap," it is hard to tell, but it looks like a person lying on his/her back with only the tips of his/her toes sticking out, sleeping in the water. Is this figure, depicted in a beautiful gradation of colors from green to blue, dreaming in peace in lukewarm water? Rather, was he at the mercy of social conditions and forced into difficult situations that closed his consciousness? The girl with yellow pigtails in "bobber" is flapping her hands like a "fishing float," as if she is trying to communicate something.

Or perhaps he is declaring that he can swim enough for the rest of his life, swimming gracefully on the surface of the water like an artistic swimmer. It is a very simple way of expression, but Sakai has been using this direct and expressionist way of depicting various situations of people and society in a colorful and comical way since the 1990s. When we look at Sakai's paintings, we can become aware of what we should be focusing our imagination on in these confusing times.

Yoshie Sakai's solo exhibition, "float," will feature paintings that are comically simple and edited to show the rich and complex minds of people and the even more elaborate world of society woven by the people they have accumulated.

横野明日香：Asuka Yokono
” 自然：nature ”

2023, 9. 30 ( Sat. ) ー 10. 21 ( Sat. )

横野明日香からのステートメント

私の風景画は、そのほとんどが具体的な場所の再現ではありません。

自分の身体があり、しっくりとくる手の動きを見つけ、キャンバスの形、絵の具、色、今の時代に描いているということ、展示される会場、それらの要素が互いに影響しあって風景が立ち上がります。

しかしいつも制作のスタートにあるのは、実際に目にしたものからの感動です。

架空の風景と言いながらも、どこかで見たような、記憶を刺激されるような要素を、リアリティを作品に入れたいからです。

Statement from Asuka Yokono

Most of my landscape paintings are not reproductions of specific places.

I have my own body, I find hand movements that feel right, the shape of the canvas, the paint, the colors, the fact that I am painting in the present time, the venue where the work will be exhibited, and these elements influence each other to create the landscape that emerges.

However, what always starts the process of creation is the inspiration from what I actually see.

Although I call them fictional landscapes, I want to put elements of reality into my work, elements that I have seen somewhere and that stimulate my memory.

横野明日香は、キャンバスに勢いのあるストロークで描ききる力強い作風で知られた画家です。彼女のスピード感あふれる直線や曲線のストローク、シンプルなフォルムにまとめ構成された風景や静物は、見る者に胸が空くような潔さを与えてくれます。

しかしコロナ禍の年月を経た現在、彼女の絵画にも変化が見てとれます。その事は今回の展覧会タイトル、「自然：nature」が表明してくれています。コロナ禍に訪問した阿蘇の大地、そのリアルな体感は横野の意識に沈潜し、2022年の「国際芸術祭あいち2022」にて発表された、かつて彼女のアトリエのあった瀬戸の土地の記憶として描かれた大きな大きな作品2点に融合して日の目を見ました。大作を描き切った経験は、筆致と自身の記憶・感動の関係を再確認することとなり、自身の内面を表現できるより最適な筆致の探究へと向かいました。ストロークだけでは表現できない、大地・土地の記憶、日々安らぎを与えてくれる身近な植物の生命力。それらの秘められた力・存在感をキャンバスに定着させることが出来る多様な筆致の実験を、この度の個展でご覧下さい。また図像も実風景とは異なり、シンプルに抽象化されています。ものが秘めている存在感やエネルギーは、横野というフィルターを通して、よりコアでピュアなものに昇華されたものとなっています。今回の作品達は、横野の絵画における進化の道程をハッキリと私達に見せてくれるものになるでしょう。それはまた、ストロークの画家横野からは少し遠ざかるものとなりますが、横野の絵画の深化といえるものです。横野のオーソドックスなまでの絵画探究の姿勢は、ゆっくりではありますが確実に歩みを進めてまいります。是非現在の、そして今後の横野の絵画の展開にご期待ください。よろしくお願い致します。

桑原正彦：Masahiko KUWAHARA　1959 - 2021
" Blue "

2023, 8. 19 ( Sat. ) ー 9. 9 ( Sat. )

今回の「Blue」展は、昨年の個展「Summer Snow」に続く桑原正彦没後2回目の展示となります。「Summer Snow」で並べられたモノトーンの白い作品達、今回はそのモノクロームの世界に桑原の空色が彩を添えます。桑原の作品タイトルには「空色」「水色」「青空」といった青い色に関連する語がよく使われています。桑原の「Blue」は純粋で幻想的、夢見心地でありながらもどこか物悲しさ、哀愁もおびています。それは冷静な眼差しで現代社会を見る、桑原の真の優しさゆえの表現だからでしょう。例えば今回展示する「リナロール」。白鳥の背に乗った甘色の髪をした少女。ロマンチックな作品のそのタイトル「リナロール」は、香料の成分名であるなど、桑原は密やかにメッセージの入り口を用意しています。また「揮発」という作品達は、早朝の晴天に輝く星々の如く幻想的な抽象世界を展開していますが、その作品の意図するところもまたタイトル「揮発」と関連するものなのでしょう。表面的で甘い言葉が覆うこの社会の、彼岸と此岸をない混ぜに、ただ桑原は淡々と現在を描いてきたのです。現代社会の発展は人類に多大な恩恵をもたらしましたが、それに伴う負の一面も現在では顕在化しています。その両面と共にあるのが今の社会なのです。飄々とし、酒を愛し、日々日課として朝から夕まで絵筆をとっていた桑原の空色の世界を是非ご覧ください。暑い夏のひと時、皆様の心と目に涼を添えることが出来ましたら幸いでございます。よろしくお願い致します。

This "Blue" exhibition is the second exhibition since the death of Masahiko Kuwahara, following his solo exhibition "Summer Snow" last year.This time, blue will add color to the monochrome world of the monotone white works displayed in "Summer Snow”. Kuwahara often uses words related to the color blue, such as "sky blue," "light blue," and "blue sky," in the titles of his works. Kuwahara's "Blue" is pure, fantastic, and dreamy, yet somehow sad and melancholy. This is probably because of Kuwahara's true gentleness, which is expressed through his calm view of contemporary society. Take, for example, "Linalool," on view in this exhibition. A girl with sweet-colored hair rides on the back of a swan. The title of this romantic work, "Linalool," is the name of an ingredient of perfume, and Kuwahara has secretly prepared an entrance to the message. The works in the "volatilization" series are as fantastical and abstract as the stars shining in the early morning sky, and the intent of these works may also be related to the title “volatilization". Kuwahara has been painting a picture of the present in an unaffected manner, mixing the present and the future of this society, which is covered by superficial and sweet words. The development of modern society has brought tremendous benefits to mankind, but the negative aspects that accompany it are also becoming apparent today. It is with both sides that we live in today's society. We invite you to view the sky-blue world of Kuwahara, who was aloof, loved alcohol, and spent his daily routine painting from morning to evening. We hope it will add coolness to your heart and eyes during the hot summer season. We are looking forward to welcoming you !

桑原正彦 1959-2021　" Summer Snow"

Masahiko Kuwahara 1959-2021　" Summer Snow"

2022, 8. 20 ( Sat. ) ー 9. 10 ( Sat. )

桑原正彦は1959年に東京で生まれました。様々な職業を経る中で、ほぼ独学で絵画の制作を始めた様です。なので美術大学の経歴はありません。描きたいものと、どの様に描く・表現するかを明確に見据え、画家として生きて行く事を決めた男なのです。桑原の絵画に出てくる稚拙でポップな図像は、その表面的な雰囲気とは正反対のシリアスで社会的な桑原の思考の賜物なのです。それは高度成長期の日本における国土の開発と大量生産・大量消費がもたらす繁栄と歓喜、それと表裏一体となった公害問題や環境破壊に見舞われた日本の姿であり、桑原はそのことを現代日本の「風景画」として描いていたのです。桑原が描く一見可愛い女性や生き物は、現代日本が生み出した諸問題の、いわばアバターと言えるものなのです。また稚拙な描き方は、美術大学、美術教育を受けていない彼があえて実行した、素人っぽさ・自由さの表現であり、桑原の絵画の魅力と言えます。彼は生涯その表現方法を洗練させ続けたのです。そんな桑原は、1995年のAKI-EX ギャラリーでの「石油化学の夢」で画家としての本格的なスタートを切リました。そしてその翌年、伝説となった平塚市美術館の「TOKYO POP」展に選ばれることになります。当画廊の桑原との出会いも「石油化学の夢」展を観たことから始まりました。

今回の「Summer Snow」展は、生前最後の当画廊での個展「dreamy star pochette」が企画の始まりとなります。「dreamy star pochette」で並べられたモノトーンの白い作品達、それはまさしく彼、桑原正彦が最後に見た風景ではないのか、その白い世界をもう一度展示することで桑原の創作の意味を再考する一歩としたいと考えました。真夏に広がるモノトーンの絵画たち、それはまさに「Summer Snow」、真夏に降り積もる雪の如く静謐で夢のようでありながら、強靭で純粋な桑原の意志の塊としてみてゆきたいと思っています。生前桑原は申しておりました。社会的な問題を根底にして描いてはいるが、善悪を声高に表明するのではないのだと。それをしたいのであればアクティビストとして行動した方が良いのだと。桑原個人は、自らの目と思考で確信している同時進行の日本の姿を、画家として、ただ描き残して行きたいのだと。桑原は日本の洋画家も含めた美術の歴史の中で、一人の画家としていることを夢見ていたのです。残念ですがこの度の個展では、「dreamy star pochette」展の100％の再現は叶いませんので、過去の作品からピックアップし展示構成いたします。今一度皆様には、桑原の一貫した世界観をご覧いただきたいと思っております。是非ともよろしくお願い致します。

Gallery Zero is pleased to present an exhibition by Masahiko Kuwahara,“ Summer Snow ” who passed away last year, for three weeks from Saturday, August 20 — Saturday, September 27.

Masahiko Kuwahara was born in Tokyo in 1959. He seems to have started painting almost entirely on his own, while working in various occupations. He is a man who has decided to live his life as a painter with a clear vision of what he wants to paint and how he wants to paint and express it. The poor, pop-like iconography in Kuwahara's paintings is the result of Kuwahara's serious, social thinking, which is the opposite of the superficial atmosphere of his work. Kuwahara's "landscape paintings" of contemporary Japan depict the prosperity and joy brought about by the development of the country and mass production and mass consumption during Japan's period of rapid economic growth, as well as the pollution problems and environmental destruction that were inextricably linked to this prosperity and joy. The seemingly cute women and creatures that Kuwahara depicts are avatars, so to speak, of the various problems that modern Japan has created. Kuwahara's poor painting style is an expression of his amateurishness and freedom, which he dared to express without having attended an art college or received an art education, and can be said to be the charm of his paintings. He continued to refine his mode of expression throughout his life. Kuwahara made a full-fledged start as a painter with "Petrochemical Dreams" at AKI-EX Gallery in 1995. The following year, he was selected for the legendary "TOKYO POP" exhibition at the Hiratsuka Museum of Art. Our first encounter with Kuwahara also began when we saw the "Petrochemical Dreams" exhibition.

This "Summer Snow" exhibition is a re-creation of "dreamy star pochette," his last solo exhibition at the gallery before his death. The monotone white works displayed at "dreamy star pochette," the last solo exhibition at the gallery before his death, were indeed the last view that Masahiko Kuwahara saw. By exhibiting this white world once again, we hoped to take a step forward in reconsidering the meaning of Kuwahara's creations. The monotone paintings spreading in midsummer are exactly like "Summer Snow," as tranquil and dreamlike as the snow falling in midsummer, but I would like to see them as a mass of Kuwahara's strong and pure will. Before his death, Kuwahara said. He said that although he depicted social issues as the basis of his work, he did not express right and wrong vociferously. As an artist, Kuwahara simply wants to leave behind a picture of Japan as it is today, which he is convinced of through his own eyes and thoughts. Kuwahara dreamed of being a painter in the history of art, including Western-style painters in Japan. Unfortunately, we will not be able to reproduce the "dreamy star pochette" exhibition in its entirety in this solo exhibition, so we have selected works from the past to be exhibited. Once again, we would like to invite you all to view Kuwahara's consistent worldview.

We are looking forward to welcoming you!

坂井淑恵　" 水遊び "

Yoshie Sakai　" play with water "

2022, 7. 2 ( Sat. ) ー 23 ( Sat. )

坂井淑恵の画家としてのキャリアは1990年代半ばに始まりました。1980年代初頭に世界同時的に発生したアートムーブメント、ニュー・ペインティング（新表現主義）の影響がようやく日本にも及んできた頃に当たります。ただ日本では海外とは異なり、絵画を含めた平面作品の復権と捉えた方がいいような気がします。あくまで関西地域からの分析・認識になりますが、1990年代初頭、まず森村泰昌さんの西洋美術史をコミカルに取り込んだ写真作品と松井智惠さんの少女の幻想を表現したかのようなインスタレーション的作品が注目されていました。その後村上隆・奈良美智・中原浩大さんが注目される中、彼らの少し前の世代のイケムラレイコさんにも注目が集まり始めていました。坂井淑恵は村上や奈良の次の世代、京都市立芸術大学から時代を担う画家たちが、自由な発想とスタイルでインパクトを持って迎えられた時代に当たります。ことに坂井淑恵は、その表現主義的な力強い描き方、シンプルな画面構成と鮮やかな色彩による身体的でコミカルな図像で大いに注目を集めたのです。

それから20年以上の歳月が過ぎましたが、坂井はそのクリエイションの質を維持し続けながら今日に至っています。では坂井の絵画におけるクリエイションとは？それは、人間が抱く様々な感情や思考をシンプルにキャンバスに定着させることであると思っています。欧米のニューペインティングおいては暴力・死・夢、それに歴史や神話といった寓意、いわば大きな物語をモチーフとしていました。しかし、坂井の絵画においてはあくまでも日常における普通の人々の感情や仕草などがイメージの源泉であることが特徴なのです。クローズアップされたシンプルな顔の表情が、不安や戸惑いといった感情を見事に私たちに伝えてくれます。また一見抽象的な風景画に見える作品いおいても、水溜りや雲に顔が描かれていたりするのです。風景画ように見える作品もまた人間の何某かの感情を表現しているのです。坂井の絵画における特徴的なモチーフがもう一つあります。頻繁に描かれている水が、重要な意味を担っています。それが意味するものは、わたしたちを取り巻く社会なのでしょう。私たちは時に溺れそうになりながらも、もがきながら泳いでゆく=生きてゆく、ということを暗示しているのでしょう。また前回の個展のタイトル「Mr. Head」でも察せられるよう、落語「頭山」などの文芸作品からもクリエイションの糧を得ています。坂井は様々なもの・事から貪欲に情報収集しながら、それらのデータを絞り込みシンプルな表現にまとめてみせます。それを可能にするのは、日本の短歌の感覚が坂井にもあるからなのでしょう。その為坂井の絵画はわかりやすさと同時に読み解くような深みも持ち合わせています。次回展の絵画たちも、皆様には十分ご納得頂ける内容になることでしょう！

よろしくお願い申し上げます。

Yoshie Sakai's career as a painter began in the mid 1990s. This was around the time when the influence of New Painting (New Expressionism), an art movement that emerged simultaneously around the world in the early 1980s, was finally reaching Japan. However, in Japan, unlike overseas, I feel that it is better to view this as a revival of two-dimensional works, including paintings. Although this is only an analysis and perception from the Kansai region, in the early 1990s, Yasumasa Morimura's photographic works that comically incorporated Western art history and Chie Matsui's installation-like works that seemed to express the fantasy of a young girl were the first to attract attention. Later, while Takashi Murakami, Yoshitomo Nara, and Kodai Nakahara were attracting attention, Reiko Ikemura, from a generation slightly before them, was beginning to attract attention as well. Yoshie Sakai is the next generation after Murakami and Nara, and falls in an era when painters of the era from Kyoto City University of Arts were welcomed with great impact for their free ideas and styles. In particular, Yoshie Sakai attracted a great deal of attention for her strong expressionistic drawing style, simple composition, and vivid colors that create a physical and comical image.

More than 20 years have passed since then, and Sakai continues to maintain the quality of its creations to this day. So what does Sakai mean by creation in his paintings? I believe it is to simply fix the various emotions and thoughts that people have on the canvas. In the West, new paintings were based on violence, death, dreams, and allegories such as history and myths, or in other words, big stories. However, Sakai's paintings are characterized by the fact that the source of his images is the emotions and gestures of ordinary people in their daily lives. The close-up, simple facial expressions beautifully convey to us the emotions of anxiety and confusion. Even in works that at first glance appear to be abstract landscapes, there are faces painted in puddles of water or clouds. Works that look like landscapes also express some kind of human emotion. There is another characteristic motif in Sakai's paintings. Water, which is frequently depicted, plays an important role. What it means is the society that surrounds us. It may imply that we sometimes feel like we are drowning, but we struggle to swim = to live. As the title of his last solo exhibition, "Mr. Head," suggests, he also draws inspiration from literary works such as the rakugo story “ Mt. Head ”. Sakai greedily gathers information from a variety of sources, and then narrows down the data and summarizes it into a simple expression. What makes this possible is that Sakai has the same sense of Japanese tanka poetry. For this reason, Sakai's paintings are easy to understand and at the same time have a depth that makes them easy to read. The paintings in the next exhibition will be more than enough to convince you all!

We are looking forward to welcoming you!

坂井淑恵的画家生涯开始于1990年代中期。这时，新绘画（新表现主义）的影响终于传到了日本，这是80年代初在全世界同时兴起的一场艺术运动。然而，在日本，与海外不同，我觉得这应该被视为包括绘画在内的二维作品的复兴。虽然这只是来自关西地区的分析和看法，但在20世纪90年代初，森村泰昌滑稽地融入西方艺术史的摄影作品和松井智惠仿佛表达少女幻想的装置式作品首先引起了人们的关注。后来，在村上隆、奈良美智、中原弘大等人受到关注的同时，比他们稍早一代的池村丽子也开始引起关注。坂井淑恵属于村上和奈良之后的那一代人，那个时候，来自京都市立艺术大学的画家们受到了开放性的欢迎，风格也很有影响力。特别是，坂井淑恵以其强烈的表现主义绘画风格、简单的构图和生动的色彩，以及身体和滑稽的图标，吸引了大量的关注。

20多年后，坂井继续保持其创作的质量，直到今天。那么，坂井在他的画中所说的创造是什么意思？我相信是为了简单地把人们的各种情绪和想法固定在画布上。在西方，新的绘画以暴力、死亡、梦境以及历史和神话等寓言为基础，或者换句话说，是大故事。然而，酒井画作的特点是，他的图像来源是普通人在日常生活中的情感和姿态。特写的、简单的面部表情向我们漂亮地传达了焦虑和困惑的情绪。即使在那些乍一看是抽象风景的作品中，也有在水坑中或云中画的脸。看起来像风景的作品也表达了一些人类的情感。在坂井的画中还有一个特征性的主题。经常被描绘的水发挥了重要作用。它可能意味着的是我们周围的社会。这可能意味着我们有时会感觉到自己被淹没，但我们挣扎着要游泳=生活。还有，上一次展览的标题"头先生 “所暗示的那样，他也从文学作品中汲取灵感，如落语故事《头山》。坂井贪婪地从各种事物和事务中收集信息，同时缩小这些数据的范围，并将其总结为简单的表达。使之成为可能的是，坂井也有一种日本唐卡诗的感觉。因此，坂井的画易于理解，同时又有一种深度，使其易于阅读和理解。下一次展览中的画作将足以说服你们所有人!

最好的问候。

横野明日香　" 花と灯台 "

Asuka Yokono　" Flowers and Lighthouses "

2022, 3. 7 ( Sat. ) ー 26 ( Sat. )

横野明日香のコメント

これは私の作品の中でもサイズの小さなキャンバスのシリーズです。

これまで、キャンバスの終わりをあまり気にすることなく絵の具に包み込まれるような体験のできる、大きなキャンバスに描くことが多かったのですが、この小さなキャンバスのシリーズはあえてキャンバスの「終わり」を見せています。

花が開こうとするエネルギーを表現しようと、筆の勢いは見えないキャンバスの外まで続き、アトリエには絵の具が飛び散っています。

キャンバスの外の空間まで想像が膨らむような作品になってほしいのです。

灯台の作品は、光の方向や構図などを、元々のキャンバスの形任せにしています。

その形があったからこそ生まれた絵です。

色んな方向に向かってエネルギーが発せられている複数の作品を同じ空間に飾ることで、大きなキャンバス作品とは違った絵画空間を体験ができるのではないかという試みの展覧会です。

Message from Asuka Yokono

The paintings in this exhibition will be a series of small size paintings among my works. In the past I have often painted on large canvases where I could experience being enveloped by the paint without paying much attention to the edges of the canvas. The paintings in this exhibition, however, use small canvases and dare to show the edges of the canvases. Nevertheless, in the flower paintings, I do not control the momentum of the brush to express the energy of the flower trying to open, so the studio is splattered with paint. Even though the size of the painting may be small, I want the image to expand to the space outside the canvas. The direction of the light and the composition of the lighthouse paintings were inspired by the shapes of the original canvases. These paintings were created because of the shape of the canvas. This exhibition is an attempt to create a painting space different from that of large paintings by exhibiting several small paintings in the same space, which emanate energy in various directions.

横野明日香は、キャンバスに勢いのあるストロークで描ききる、力強い作風で知られた若手画家です。彼女のスピード感あふれる直線や曲線のストローク、シンプルなフォルムにまとめ構成された風景や静物は、私達に爽快さを与えてくれます。彼女は、ダムのような巨大な構造物を見た時の圧倒感や存在感、その視覚的体験を大きなキャンバスに描き留めたいと言っています。横野は視覚的実体験をストロークという行為・運動へと変換することで、彼女にとってのリアな絵画を画いているのでしょう。アメリカの抽象表現主義の作家たちは、絵画に運動性を取り込もうとして様々な実験を試みました。ポロックのドリッピングや、デ・クーニングのウーマンに代表される荒々しいストロークなど、大画面に彼らは絵具を身体運動の痕跡としてキャンバスに定着させたのです。横野も同様に、彼女の絵画の中で運動と構成の調和を試みています。私どもは、横野がストロークを際立たせた運動によるダイナミズムで、新たな絵画を創造して行くことを期待しているのです。

しかし今回の個展は新たな試みとなる、小さな絵画作品だけによる展示となります。コロナ禍のこの2年間、彼女には出産と育児という人生における大きな変化もありました。様々な制約の中で描かれた小さな灯台と花の絵画たちは、彼女に大きな絵画作品とは違う視点と思考を育んだ様です。今回のテーマの花と灯台、そこに込められたのは希望と夢、生命力の広がりの様な気がします。横野の今までとは違った絵画世界を、今回は十分にお楽しみください。そして今彼女は、この夏のあいちトリエンナーレに向けて、再び大きな絵画作品に取り組み始めました。皆様のお越しをお待ちしております。

Asuka Yokono is a young painter known for her powerful style of painting with vigorous strokes on canvas. Her speedy strokes of straight and curved lines, landscapes and still lifes composed in simple forms give us a sense of freshness. Yokono says she wants to paint the overwhelming feeling and presence of seeing a huge structure like a dam, and the visual experience of this on a large canvas. Yokono may be painting a painting that is real to her by translating her actual visual experience into the act and movement of strokes. American Abstract Expressionist artists experimented in various ways to incorporate movement into their paintings. On large paintings, such as Pollock's Dripping or the rough strokes typified by de Kooning's Woman, they let the paint settle on the canvas as traces of physical movement. These works beautifully expressed the vigor and chaotic power of New York City and the United States at that time. We expect Yokono to create new paintings with the dynamism of movement that accentuates her strokes.

However, this solo exhibition is a new experiment, featuring only small paintings. During the last two years of the Corona Disaster, she has also undergone a major life change: childbirth and childcare. Her paintings of small lighthouses and flowers, painted under various constraints, seem to have nurtured in her a different perspective and way of thinking than her larger paintings. The theme of this year's exhibition, "Flowers and Lighthouses," is about hopes, dreams, and the spread of life force. We hope you will fully enjoy Yokono's different world of paintings this time. And now she has started working on a large painting again for this summer's Aichi Triennale. We are looking forward to welcoming you.

髙橋友　" Impermanence "

Yuu Takahasahi　" Impermanence "

2021, 11. 27 ( Sat. ) ー 12. 18 ( Sat. )

GALLERY ZEROでは、2021年11月27日土曜日より12月18日土曜日までの3週間の日程で、高橋友の新作個展「Impermanence」を開催致します。

高橋友のキャリアは、少女時代に親しんだぬり絵や少女漫画を大胆に持ち込んだ絵画からスタートしました。盛り上がった黒いエナメルの線により分割された色面で構成された画面は、少女漫画の主人公を描きながらも、抽象画の要素も持ち合わせているというものでした。その後2012年より新たな展開として、彼女がリスペクトする人物像に、その人物に関連する土地の地図を重ねあわせるシリーズが始まりました。シルエットのみの人物と、その背景に主人公に関連するモチーフがカラフルにちりばめられた画面に被せられた白抜きの地図は、画面に違和感を与え視覚的にインパクトのあるものでした。

しかし新型コロナの感染拡大は、彼女の生活や心境にも影響を与えたのでしょう。彼女は言います。それぞれの時代やまた人生には、良いこともまた悪いこともあります。ただその状況は永遠に続くものではありません。この異常な状況下で、私は私なりに作品に工夫をこらし、観ていただける方に明日に繋がる温かな気持ちの芽生えを感じて頂けたらと思っていますと。その気持ちを伝えるべく、この度の展示から高橋友はかつてのモチーフ、少女漫画の要素をもう一度描き始めました。そのモチーフが自身の今の気持ちを一番正直に表せると確信したからだと言うのです。ただ十年の隔たりは、やはり過去の作品と全く同じと言うわけではありません。ただ言える事は、その初期から高橋は社会の矛盾やコンセプチュアルな要素をことさらに画面に持ち込むのではなく、程よいボリュームで今を表現し、観客の皆様に少しでも絵画の楽しさを感じて頂くことに重きを置いていると言う事です。

高橋友の3年ぶりの個展「 Impermanence 」をよろしくお願い致します。

Gallery Zero is pleased to present an exhibition by Yuu Takahashi, “ Impermanence ” from Saturday, Nov. 27 – Saturday, Dec. 18. This will be Takahashi’s first solo exhibition in three years with the gallery and will be composed of colorfully paintings.

Her career began with paintings that boldly brought in the coloring books and girls' manga that she was familiar with as a girl. These paintings were made up of colored surfaces divided by raised black enamel lines. Paintings depicting the main characters of girls' manga had elements of both figurative and abstract painting. Then, in 2012, she started a new series in which she superimposed a map of the land associated with a person she respected onto the image of that person. A map was placed in white over a screen with only silhouettes of people and motifs related to the main character in the background. The white-out map gave a sense of discomfort to the screen, and the colorful colors had a great visual impact.

However, the spread of COVID-19 must have affected her life and her state of mind. She says. In each age and in each life, there are good things and bad things. But, that situation will not last forever. Under these extraordinary circumstances, I am trying to devise my own way to create a work of art, and I hope that those who see it will feel the warmth that will lead to tomorrow. In order to convey this feeling, Yuu Takahashi started to draw elements of girls’ manga, her old motif, again from this exhibition.

She said that she was convinced that this motif was the most honest way to express her current feelings. However, the gap of ten years is not exactly the same as in the past. What I can say is that from the very beginning, Takahashi's focus has been on making painting as enjoyable as possible for the audience, rather than on social contradictions or conceptual elements.

Please look forward to Yuu Takahashi's first solo exhibition "Impermanence" in three years !

西太志　" 新しい国 "

Taishi Nishi　" New Country "

2021, 10. 23 ( Sat. ) ー 11. 13 ( Sat. )

GALLERY ZEROでは、10月23日土曜日より11月13日土曜日までの3週間の日程で、西太志個展「新しい国」を開催致します。

西太志はまるでショートムービーの１場面を切り取ったかのような物語性の強い絵画を描いて来ました。その内容は少年の夢や暴力性を仄めかすかのような危うさを秘めながら、どこかユーモラスで懐かしさを感じさせるものです。色彩を用いることもありますが、モノクロームを主体とした画面は、ストロークを多用した、どちらかというとドローイング性の強い画面になっています。私どもとしましては、どこかレイモンド・ペティボンやケントーリッジのドローイング作品の持つ不安や不条理といった趣を、西の作品にも感じてしまします。それは西の創作の根底に、スペイン激動の時代をシニカルに、またありのままに表現したゴヤの影響があるからでしょう。西の絵画を満たすストロークは、ドローイングが持つ即興性に繋がり、彼の感情をストレートに表現することに役立っているのです。

順調に制作を続けていた西ですが、昨年来の感染症の猛威は私たち、そして西の心境にも影響を与えました。圧倒的なスピードで全世界を覆い尽くし、私達が経験したことのない物理的及び精神的な分断をもたらしたこの感染症。その影響下に多くのアーティストは創作を重ねています。それがどの様なものなのか、今後私たちはその内容を見極めてゆくのです。この度の西太志の個展にもそのことが言えます。展覧会タイトル「新しい国」とは、西がその目と肌で、心で見て感じた世界なのでしょう。マスクを被った少年の、少しだけ垣間見える目元と口元。その少しの情報の中から、私たちは西の希望と創造の糧を導き出せるのか。彼の表現する「新しい国」の行く末を、期待を持ってご覧頂けたらと思っております。よろしくお願い致します。

GALLERY ZERO is pleased to present an exhibition by Taishi Nishi, “ New Country ” from Saturday, Oct. 23 – Saturday, Nov. 13. This is Nishi 3rd solo exhibition with the gallery and will be composed of unique paintings and ceramic sculptures.

Nishi has been painting strong narrative quality, as if they were taken from a movie. These paintings have a sense of danger that hints at a boy’s dreams and violence, but they also give us a sense of nostalgia. Nishi’s paintings, which are mainly monochrome, use many strokes and have a strong drawing quality. The strokes that fill Nishi’s paintings lead to the improvisational nature of his drawings, helping him to express his emotions in a straightforward manner.

Nishi had been working steadily, but the onslaught of infectious diseases since last year affected his state of mind. The title of this exhibition, “ New Country ”, may be a new world after experiencing the spread of infectious diseases. Influenced by the works of Francisco de Goya, who cynically and unapologetically expressed the turbulent times in Spain, how will Nishi express the new world ? Please watch with anticipation for the future of the “ New Country ” he is creating.